SI SE HA DE ESCRIBIR CORRECTAMENTE POESÍA/ ENRIQUE LINH

SI SE HA DE ESCRIBIR CORRECTAMENTE POESÌA
ENRIQUE LINH


Si se ha de escribir correctamente poesìa
no basta con sentirse desfallecer en el jardín
bajo el peso concertado del alma o lo que fuere
y del célebre crepúsculo o lo que fuere.
El corazón es pobre de vocabulario.
Su laberinto: un juego para atrasados mentales
en que da risa verlo moverse como un buey
un lector integral de novelas por entrega.
Desde el momento en que coge el violín
ni siquiera el Vals triste de Sibelius
permanece en la sala que se llena de tango.
Salvo las honrosas excepciones las poetisas uruguayas
todavía confunden la poesía con el baile
en una mórbida quinta de recreo,
o la confunden con el sexo o la confunden con la muerte.
Si se ha de escribir correctamente poesía
en cualquier caso hay que tomarlo con calma.
Lo primero de todo: sentarse y madurar.
El odio prematuro a la literatura
puede ser de utilidad para no pasar en el ejército
por maricón, pero el mismo Rimbaud
que probó que la odiaba fue un ratón de biblioteca,
y esa náusea gloriosa le vino de roerla.
Se juega al ajedrezcon las palabras hasta para aullar.
Equilibrio inestable de la tinta y la sangre
que debes mantener de un verso a otro
so pena de romperte los papeles del alma.
Muerte, locura y sueño son otras tantas piezas
de marfil y de cuerno o lo que fuere;
lo importante es moverlas en el jardín a cuadros
de manera que el peón que baila con la reina
no le perdone el menor paso en falso.
Quienes insisten en llamar a las cosas por sus nombres
como si fueran claras y sencillas
las llenan simplemente de nuevos ornamentos.
No las expresan, giran en torno al diccionario,
inutilizan más y más el lenguaje,
las llaman por sus nombres y ellas responden por sus nombres
pero se nos desnudan en los parajes oscuros.
Discursos, oraciones, juegos de sobremesa,
todas estas cositas por las que vamos tirando.
Si se ha de escribir correctamente poesía
no estaría de más bajar un poco el tono
sin adoptar por ello un silencio monolítico
ni decidirse por la murmuración.
Es un pez o algo así lo que esperamos pescar,
algo de vida, rápido, que se confunde con la sombra
y no la sombra misma ni el Leviatán entero.
Es algo que merezca recordarse
por alguna razón parecida a la nada
pero que no es la nada ni el Leviatán entero,
ni exactamente un zapato ni una dentadura postiza.

ANTOLOGIA DE LA POESÌA LATINOAMERICANA (1).

MELODÍAS PARA REFLEXIONAR/ MANUEL VELÁSQUEZ ROJAS

MELODÍAS PARA REFLEXIONAR

Dr. Manuel Velásquez Rojas[i].

En Huari, Ancash: Armando Arteaga y Manuel Valàsquez Rojas (poeta y maestro universitario, autor de esta reflexiòn crìtica sobre la poesia de Ricardo Falla, poeta del grupo Gleba y de la Generaciòn del 70).

El libro Interludios de Ricardo Falla Barreda es un poemario de espacios culturales. En el pasado tiempo, los seres humanos escogían, de los numeros santos que moran en el cielo, algunos para venerarlos en su capilla particular. Hogaño, dicha religiosa costumbre, ha sido reemplazada por otra laica y terrenal. Me explico: algunos poetas, es el caso de nuestro amigo Ricardo Falla, necesitan dar a conocer las individualidades creadoras que admiran, y que, por la recurrencia en la vida de los poetas, realmente, han pasado a la categoría de amigos. Cuando este hecho singular, creo yo, que se expresa el sentimiento de iconofilia, valga este neologismo inventado por mí, para significar que nuestro iconos son camaradas inseparables de nuestra existencia. Los iconos que llenan los espacios culturales de los poemas de Ricardo Falla, pertenecen a la historia, la literatura, la música y a la ficción. Ahora, permitidme una breve digresión o un flash back existencial. Ricardo Falla en sus orígenes literarios, era parte de un grupo de poetas que caracterizaron su poética con una temática realista, popular y urbana (la ciudad de Lima creció con sus versos), y establecieron, además, las formas coloquiales, y los versos de largo aliento. Es cierto que estas características los hicieron distintos, y ahora ya no distantes de la generación que los precedió, la de los años 50. Este grupo poetas, nuevo y novedoso, nació con el nombre de Gleba, quizá haciendo honor a un poema, con el mismo título, de César Vallejo; la historia del grupo continúa, más tarde se proclamaron Nueva Humanidad y, finalmente, con ausencias calladas y opositores activos, se llegó a Hora Zero, este último calificativo con mayor ruido mediático. A este conjunto de poetas, unidos por el tiempo pero distintos en sus creaciones individuales, se les llama la Generación del 70. Ricardo Falla es un de los ganfaloneros de esta generación, por su vocación y condiciones de liderazgo poético, que más tarde se rearfirmará con la publicación de su primer poemario titulado Pequeña historia de conciencia (Lima, 1971), luego vino su polémico Contra viento y marea (Lima, 1973), y los poemarios de madurez Mi Capital, con prólogo consagratorio del poeta Alejandro Romualdo 1979, y Poesía abierta, editada en 1982.
De un primer registro de manifestaciones formales, podemos afirmar: de los postulados de la poética de la Generación del 70, Ricardo Falla conserva el coloquialismo, pero ahora no es la conversación que una tradicional calle de Lima se puede escuchar. No. Ahora es un diálogo con los iconos preferidos por Ricardo Falla. Coloquio que recrea un espacio cultural para el icono y su trascendencia. Se conoce que todo poema ofrece un hablante lírico que es el que modula los versos, es decir es un yo especial solo existente en el poema. Cuando se trata de un poema conversacional, el yo especial pregunta, acepta respuestas y reflexiona sobre los temas planteados. Es un yo y a la vez un tu. Estimo que estas consideraciones iniciales posibilitan y son las necesarias para una aproximación de crítica literaria a los poemas de este libro sustancioso y sustantivo. Exploremos algunos poemas cuyos espacios están ocupados por personas culturales.
El poema Epístola a Amarilis con un fraseo hermoso y a la vez inquisitivo, nos da a conocer las inquietudes de un yo poético que admira a la poetisa del siglo XVII, que se le recuerda, precisamente, por su Epístola a Belardo, que, como todos saben, fue dirigida a Lope de Vega, y en la que esta monja de clausura le declara su amor platónico y le pide que eleve sus versos en elogio de Santa Dorotea. Esta poetisa ha concitado interrogaciones a todos los estudiosos de la literatura peruana que, han pretendido, en hipótesis aventuradas, determinar su nombre, linaje y trayectoria vital. Ricardo Falla en verso sutil y preciso la llama “poetisa de la incógnita”, y luego de platicar largamente con ella, le reclama que devele sus misterios, y le dice así: “Pero tu como idilio eterno/ danos el lugar exacto por donde asciende el aire/ en esta imagen/ en esta tierra/ en el tiempo esculpido por la luz/ y así sabremos como eras/ y como fuiste en la tierra y en la frente”.
Un tema recurrente, en el periplo poético de Ricardo Falla, es reclamar la justicia entre la sociedad humana. Noble empreño que valoramos más, cuando más injusta es la sociedad en que vivimos. Por eso su poema En el espacio Quijotal – para mi sentir – es uno de los poemas más logrados estéticamente, porque ha unido en armonía feliz su inquietud de identidad individual, su admiración por el Quijote (como personaje eterno de la literatura), y su demanda a seguir sus enseñanzas de justicia, y en pos de un ideal de fraternidad humana. Cervantes logró decirnos que la justicia es la razón de un loco, que vive como héroe para sí, aunque desdeñado y befado por los que siempre defienden la razón de las injusticias. El poeta Ricardo Falla, nos habla a sus lectores, con versos que revelan un compromiso hermoso: “No olvides que los cuerpos son sueños/ no son vida/ y el mirar con violencia al mundo/ desintegra la realidad del amor”.
Pero el registro del yo poético, de Ricardo Falla, es amplio como lo apreciamos en los significativos poemas Ante los ojos de Joseph K, Bajo el viento de Ulises, Variaciones ante el mundo de bronce, que esta dedicado al Señor de Sipán, en un vínculo que, a través del canto de admiración, se va revelando la identidad del ser peruano en todos los tiempos. Ofrece, el poeta Falla, además otros poemas como A Carmen de Bizet, Secreto a voces, y el aleccionador Escrito para la memoria de un joven poeta. Me detengo para expresar, mi deleite personal con la elegía La hora de John. Recorrer el siglo XX es descubrir que fue un siglo extraordinario, y que su música popular revolucionó los conceptos y la praxis de escuchar música, de sentir la música. Bastaría citar algunos de sus exponentes para justificar mi aseveración. Nombres como los de Carlos Gardel, Celia Cruz, Los Panchos, Juan Manuel Serrat, Teresa Parra, Lucha Reyes, y, por cierto, Los Beatles, hicieron más hermosa y libre la vida del siglo XX. Y el poema de Ricardo Falla, presenta al personaje de John Lennon que nació en 1940, en Liverpool. Su vida fue un ejemplo de creación musical, y sus opiniones militantes defendiendo la paz provocaron aplausos en los hombres de buena voluntad, y rechazos fanáticos de los belicistas. Un violentista, amante de la muerte y de la guerra, le quito la vida a John Lennon, en Nueva Cork, el 8 de diciembre de 1980. Y el poeta, en el libro que esta noche celebramos, nos dice: “Una vez John en sus invenciones de piano/ hizo del placer tendido las tenciones del corazón/ los registros de la resurgencia/ el centro de las perplejidades/ la creación de lo irreal/ la música capaz de encender momentos/ y escribió y entonoó/ y entonó y escribió/ lo que los sentimientos de cada hombre/ desean cuando ven con tristeza los momentos de la tierra/ en un tiempo de venganza/ y aspiración de muerte”.
El poeta francés Arthur Rimbaud, en un verso célebre afirmó: “Yo soy otro”. César Vallejo, en un poema nos dice: “A lo mejor, soy otro” y, creo, que la lista de los poetas que padecen este desdoblamiento es numerosa. Señalo una idea para comprender este fenómeno de la poesía occidental. La vida nos obliga a ser un individuo atenazado por el poder político, religioso o económico, lo que obliga a resguardar parte de nuestro ser (“otro yo”) para que no muera contaminado. El yo poético, de Ricardo Falla, nos entrega el poema Centinela, en esta pista poética de ser dos en uno. Él dice: “Mi casa tiene un centinela/ sé quien es/ pero no se de donde vino/ ni porque me cuida de los ruidos del mundo/ (…)Él como nadie sabe/ que la realidad da vueltas/ y vueltas y cambia/ sabiendoque hay una cosa que no cambia/ cuidarme la vida/ y no dejar pasar la muerte”.
Un bloque integrado por algunos textos muy valiosos presenta como tema fundamental: el amor y el hogar. Así Caminar a tu lado, A un verso que llega, Entre el cantar y la sombra, Para una melodía en flor de luz, y Sueño por los silvestres dibujos de tu cuerpo. El yo poético, posee ya la madurez de la vida y su forma de sentir y hablar del amor es hermosa, pasional, y a la vez simbólica, con descubrimientos, y resplandores humanos y estéticos. Este sentimiento está a la vez acompañado de la voz poética que une a la pareja. Cada amor es único, un milagro distinto para cada ser. Es uno de los dones de la vida, porque une en intimidad ilimitada y protege la supervivencia de la especie. Digo y afirmo, finalmente, que con la lectura de tus poemas, Ricardo Falla, he crecido como ser humano: me he acercado a los paradigmas culturales y con nuevas visiones los vuelvo a colocar en sus altares. He reflexionado sobre temas de la esencia de la poesía y del destino del ser humano. Y he contemplado una visión de amor ejemplar y bella: por todas estas cualidades de tu libro, te felicito Ricardo Falla, y te reitero, hermano en la poesía, hermano en las lides universitarias, hermano en la búsqueda y anhelo de un mundo mejor, gracias por tu libro y tu amistad.
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[i] Manuel Velásquez Rojas: Dr. en Literatura, profesor universitario, poeta de la Generación del 50. Ejerce la docencia universitaria en el Post Grado de la Universidad Nacional de Educación, La Cantuta, y en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos. Es autor de estudios sobre César Vallejo, J. M. Arguedas, entre otros, así como de varios libros de poemas.

RECORDANDO A CHACHO/ GUILLERMO FALCONÌ

Poeta Cesàreo "Chacho" Martinez.

RECORDANDO A CHACHO

Por Guillermo Falconì

En el Wony, en los 70, despuès de un Recital en la Asociaciòn Nacional de Periodistas. De pie: Nelsòn Castañeda, Roland Portocarrero y Armando Arteaga. Sentados: Juan Carlos Làzaro, Guillermo Falconì (autor de esta nota) y Sonia Gambbini.

ARMANDO, carajo, una vez màs las cosas de la vida y el tiempo (siempre el tiempo), se me escurren de las manos como un jabón, bueno para lo maldito, no importa el tiempo, el mal: siempre es mal, y no tiene espacio ni tiempo, así dice George Bataille, para Chacho, el tiempo era un discurso de la codicia, esa conciencia de siempre pertinente que dio origen a la teoría de la escasez, de bienes escasos para necesidades grandes, así, era también su grandilocuencia, Chacho amaba a Yeats, con el romance de un silvestre Rilke, como un Werder, tras las celebraciones de Sara Boticcelli. Chacho amaba a Trinidad, una estudiante de la Facultad de San Fernando, esta diosa, hizo que el poeta inspirara además: Cinco razones, escrito en el Patio de Letras de San Marcos. La gran poesía, que era, perdón, que es la poesía de Chacho, según èl, desarrollaba una poética mayéutica, de versos largos extendidamente, en el concepto de abarcar una epistemología total de la imagen, tal que las cinco estaciones de cinco Razones ,es una dialéctica construida, con la metáfora del amor y la historia social de nuestro país, versada, a lo Saint Jhon Perse con el espíritu hermético de Yeats. Con esta poética, Chacho, calza un punto màs, ajeno a la generación de poetas y escritores de la época, -te confieso que amaba a Yeats por sus propias declaraciones-, nadie, que yo sepa, salvo Juan Ojeda, se atrevió, en esa época, a estrechar el racionalismo poético como ellos. El espíritu de la época demandaba pues, secularizar la metáfora, la imagen y la palabra para salir del hermetismo burgués, del humanismo existencialista de post guerra. En este país, tenemos que aceptar la presencia de estas poéticas. Caso único. Así es Armando, esto significa que debemos interpretar densamente la poética de Chacho.... acaso los académicos de La Católica, estuvieron cerca.., tu sabes que no, solo sabemos los que leemos diariamente la vida como el poeta, en cambio para los académicos, Chacho, les significa un comino, porque?… , además la poética de Chacho, no ha sido alcanzada, por el gusto insípido de la pequeña burguesía, la critica a los huecos negros de la burguesía era el alma de la poética de Chacho. bueno, podría desarrollar, una texto mas explicito desde la perspectiva de una literatura total, dialéctica, espero continuar con este dialogo, pues es difícil una interlocución, sobre todo sincera, acerca de nuestro amigo..., hasta la vista Armando, tu amigo el salvaje.......y maldito zorro, saluda a todas LAS DIOSAS que encuentres en el camino.

Vagando por la ciudad: Oscar "El Gringo" Arevalo, Guillermo "El Zorro" Falconì, Ana Marìa Chagra, y Armando Arteaga.

SPAGHETTI A LA MILANESA Y VINO/ ARMANDO ARTEAGA

SPAGHETTI A LA MILANESA Y VINO / ARMANDO ARTEAGA

Las muchachas con ojos de gato son sagradas.

Usted debe andar ahora por la noche de Buenos Aires.
Ya estamos olvidados.

En la escena de Ionesco: nuestro antiguo cuchillo
Ya somos otros besos de inocentes lectores.
No se me ponga triste, ni yo tampoco muero -adrede-  esta noche.
No regrese -cansada-  en metro a casa, no destruya su vida.
No se le va a ocurrir leer a Arlt en algún café del Caballito.
Mire que en su país y en el mío: el fascismo, etc...

(Ya no me espere, busque refugio,  decore nuevamente su bohío).

Rebote solamente,
escriba
de la rata trepando la escalera,

escriba de usted mismo ahora que perdió sus libros
y se ha vuelto impaciente ahora que perdió a su esposa,
y se ha vuelto impaciente ahora que perdió a su amante:

inmóvil
y delgada
como la Torre de Eiffel,
póngase bien la chompa, abríguese de veras, deje las bromas
que estamos en el centro del invierno,

no quiera vos, me abrigue con la francesa boneta
-esa intrusa se quedó en su casa y también en su cama-
no quiera vos, volviéndola a soñar: la encuentre con furia y miedo,
en esa nostalgia
en ese fuego único que siento aún
en esa piel de muchacha argentina que me reside aún.
Yo pienso que la quise, y a lo mejor usted también a mí, de veras.

Pero ché, por si las moscas, vayamos con el tango a otra parte.

Otoño, 1974.

*Este poema de mi libro "Avistar" se publicó muy mal, en "Antología de la poesía píurana" de mi amigo Harold Alva, lo publicamos para reparar el error.

UN TEXTO SOBRE CESÀREO MARTÌNEZ/ ALEJANDRO SÀNCHEZ AIZCORBE

La historia del Perù le debe a Cesàreo Martìnez Sànchez una revoluciòn que se nutra de sus versos, y la ediciòn de sus obras completas, que sin duda alimentarà la revoluciòn.

Mientras espero una y otra cosa, con la mala conciencia de que acaso yo sea el deudor, sin saber què decir ni escribir, cojo El sordo cantar de Lima y les leo, una vez màs, un fragmento a Marcela y a su hija, que tanto se parece a Iskra Oyague, aunque se llame Marcelita. Los tres nos reponemos de una enfermedad pasajera. No estamos en la mejor de las formas para leer o escuchar a Cesàreo Martìnez. Pero sucede lo mismo que sucede cada vez que lo leo: se me quiebra la voz. Marcela y Marcelita escuchan sin darse cuenta de lo que pasa. Me pongo de pie sùbitamente para dominar la emociòn, y sigo leyendo. Termino una estrofa: "Me gusta, es poderoso", dice la niña. Se levanta de la cama para sacar un yogurt urgente de la cocina, y antes de salir del dormitorio dice con autoridad de hija: "No leas nada hasta que vuelva." La esperamos. Regresa con el yogurt y con las ganas de seguir escuchando. Tiene doce años, no va a misa ni cree en dioses, y tiene una vaga pero terca idea de la justicia, porque escucha a Cesàreo.

Seguro de haber terminado todo por hoy, salgo a la terraza de nuestro pequeño apartamento, que queda al este de Tejas, en medio de un bosque, y observo la grama y los àrboles: cerca de la acequia, un armadillo nocturno huele, hociquea la tierra, jugosa de lluvia.

Alejandro Sànchez-Aizcorbe

alejosanchez49@hotmail.com

LA ANTOLOGíA DE LA POESÌíA PUNEÑA DE SAMUEL FRISANCHO PINEDA/ ARMANDO ARTEAGA

LA “ANTOLOGIA DE LA POESIA PUNEÑA” DE SAMUEL FRISANCHO PINEDA

Por Armando Arteaga

Sumándose a las celebraciones del “Año de los Vencedores del 2 de Mayo” (1966), Samuel Frisancho Pineda tuvo la gentileza y el acierto de publicar su “Antología de la Poesía Puneña” (1), gesto que, para algunos puede parecer tardío, pero que, hay que festejar ahora como un hito importante en el estudio de la literatura regional de Puno, mejor, fue un suceso destacado: para reflexionar acerca de la poesía collavina, donde encontramos el deseo ferviente de explicar el proceso de este contexto -social y literario- regional de esta poesía.
 

Samuel Frisancho Pineda, escritor y periodista puneño, director del Diario "Los Andes".

A partir de la segunda década del siglo XX, se nota en las diversas regiones del país una necesidad imperiosa de tener voz propia. Pero no es esta “Antología de la Poesía Puneña” la excepción de la regla. Ya en Puno en 1920 circulaban los periódicos “El Siglo”, “El Eco de Puno”, “Los Andes”, y otras “medios de comunicación” que por impulso del grupo Ork´opata (antes “Bohemia Andina”) hicieron circular las revistas “La Tea” y posteriormente el “Boletín Titikaka” (tribuna abierta a las relaciones internacionales de los poetas puneños). Emilio Armaza define la orientación de este mensaje como: “Sístole y diástole, la tendencia vanguardista y la vernácula constituyen hoy la médula de la literatura indoamericana”. En estas revistas literarias, empezaron los nuevos y jóvenes poetas puneños a divulgar sus respectivos trabajos, y también otros escritores de entonces, que armonizaban con el mismo proyecto nativista.

José Tamayo Herrera en su “Historia Social e Indigenismo en el Altiplano” (1982), no deja de explicar su repentino asombro al ver como empezaba a desarrollarse en Puno esta efervescencia intelectual y cultural, que empezaba a cincelar un nuevo estado de la realidad regional en donde se expresa parte de este auge de la llamada “intelligentsia” puneña.

Puno tenía todas las condiciones para proponer un pensamiento autónomo e integral, para avizorar su destino histórico inmerso en el proceso de nuestra cultura andina. Allí estuvieron los primeros juristas como precursores de este nuevo ímpetu cultural: Toribio Pacheco, Juan José Calle, Mariano H. Cornejo, José Frisancho Macedo. El pensamiento indigenista lo integraban: Gamaliel Churata, Francisco Chukiwanca Ayulo, Manuel A. Quiroga, y Santiago Giraldo (genuino precursor del socialismo científico peruano). Allí también estaban en la punta del “iceberg” de este movimiento los escritores puneños como Lizardo Luna, J. Alberto Cuentas Zavala, Eduardo Pineda Arce, Alfonso Torres Luna, Adrián Cáceres Olazo, quienes empezaban a destacar en el marasmo cultural nacional de ese momento, y mostraban un particular interés por exhibir las virtudes locales de su región, sin caer en chauvinismos regionalistas, ni mezquindades locales, al contrario, eran cosmopolitas y estaban muy enterados e interesados por el devenir de la “escena contemporánea”, además tenían una vinculo de gran raigambre con el terruño altiplanico. Músicos como Teodoro Valcárcel, Jorge Huirse, y Luis Rivarola, comienzan a trascender fronteras nacionales, y recorren el mundo (ancho y ajeno) con los aportes musicales de los andes sureños. En este contexto cultural también estaban los poetas.

Samuel Frisancho Pineda tuvo la certeza de que había llegado el momento trascendental –cuatro décadas después- de esta fuerza espiritual que nos traen los poetas puneños -del veinte- para ir diseñando cómo había sido el proceso de la poesía puneña (2).

En la primera parte de esta “Antología de la Poesía Puneña”, se recogen los homenajes líricos a la patria chica, de toda esta poesía cívica referida a Puno: Enrique Ancieta, Renato Morales de Rivera, Adrián Solórzano, Luis N. Chavaría, Gustavo A. Manrique, Aurora Chacaltana, María Consuelo Ramírez Figueroa, Oscar Cano Torres, Luis Ángel Aragón, Miguel Ángel Ugarte y Ch. , y Manuel A. Quiroga.

El verdadero aporte de la “Antología de la Poesía Puneña” de Samuel Frisancho Pineda destaca en que ha dividido el proceso de la poesía puneña del siglo XX en “Cuatro Épocas”, sumando dos apéndices de “Poetisas” y “Poetas Nuevos”. Frisancho supo muy bien entender el “auge” de esta poesía regional, diseñando con plenitud intelectual este proceso de su literatura (teniendo en cuenta solo la poesía).

A esta “Primera Época”, Frisancho la ha llamado “Románticos”, y allí están: Adrián Solórzano Therroba, Celso H. Briones Morales, Pablo F. Crespo, José Antonio Cáceres, Antonio César Ponce, y M. Ignacio Frisancho Macedo. Toda este “Primera Época” recoge las influencias del romanticismo de Lamartine y Zorrilla, Espronceda y Bécquer, lo mismo que el inminente flujo literario de Byron, Martí y Bello, así como el aporte “localista” de Salaverry y Melgar; estos poetas desarrollaron con premura y destreza: el yaraví, la plegaria, el rondel, el boceto literario, la rima desempolvada, y el canto sagrado hacia la musa (a la mujer amada). Aunque aquí encontramos una garrafal omisión, se ignora olímpicamente a Gabino Pacheco Zegarra, que desarrolló en su poesía sentimental: el wayño, y la infantil ternura de apego a la naturaleza.

La "Antologia de la Poesia Puneña" de Samuel Frisancho Pineda (!966).

Es cierto, Frisancho solo ordena el panorama de esta “Segunda Época” que llamó “Modernistas”, y no pudo desarrollar un estudio explicativo del proceso de la poesía puneña de este instante, como sí lo desarrolló Francisco Mostajo para la poesía arequipeña, en su tesis: “El Modernismo y el Americanismo” (Imprenta de la revista Sur, 1896, 72 p.p.), aunque años después según Monguió (3), el mismo Mostajo la calificó de balbuceo juvenil, pero no por ello –dice Monguió- pierde la tesis su validez como documento de la época, y más tarde el singular aporte de Mostajo al tema de las literaturas regionales, en sus “Palabras de Anuncio” que es el Prólogo a su trabajo “Pliegos al viento” de recopilación sobre el modernismo arequipeño.
Mostajo es el primer intelectual y escritor que estudia esta problemática con apertura, de conocimiento adecuado y visión histórica. No se ha podido encontrar hasta la fecha un trabajo de esta intensidad de rescate y valoración sobre los otros “modernismos regionales”, salvo estos “Pliegos al viento” sobre el movimiento characato. Me atrevería a decir que algún aporte más modesto es más tarde el de Rubén Sueldo Guevara en su “Panorama Actual de la Literatura Cuzqueña” (1949), y algo de mayor rigor e intensidad la “Poesía Cuzqueña” (Derrotero para una ubicación de la poesía cuzqueña contemporánea) (1956) de Luis Nieto, la “Breve Antología de Poetas Piuranos” (1950) de Carlos Robles Razuri y las “Páginas de Oro Lambayecanas” (1963) de José Barragán Carvallo, se sumaron a estos esfuerzos, al igual que propuestas de mayor envergadura como el “Panorama Actual de la Poesía Peruana” (1938) de Estuardo Núñez, “De lo barroco en el Perú” (1928) de Martín Adán, y para los agnósticos: recomendamos leer la tesis universitaria de César Vallejo “ El romanticismo en la poesía castellana” (1915), que va sumando a los espacios regionales la configuración nacional: en tendencias, estilos, escuelas, y pareceres geográficos. De todas maneras, el aporte acertado de Samuel Frisancho Pineda es que alinea de manera irrefutable a los poetas más representativos del “modernismo puneño” del siguiente parecer: Renato Morales de Rivera, Federico More, José Marcos Frisancho Macedo, Manuel A. Quiroga, Remigio H. Franco, Víctor Ballón Angulo, y Manuel Francisco Ballón. Dejando allí el esquema del proceso literario de esta tendencia del “modernismo puneño”.

La llamada “Tercera Época” de Frisancho no lleva nombre, pero corresponde al vanguardismo, el surrealismo y el indigenismo puneño. En este esquema formativo están los siguientes poetas: Gamaliel Churata, Alejandro Peralta (el màs surrealista de todos), Emilio Vásquez, Emilio Armaza, J. Alberto Cuentas, Dante Nava, Luis de Rodrigo, Benjamín Camacho, Ernesto More, Alberto Mostajo. Luis Chavarría, Alejandro Cornejo, Rómulo Díaz Dianderas, Aurelio Martínez Escobar, Carlos Oquendo de Amat, Enrique Ancieta, y Víctor A. Villar Chamorro. Es este el proceso más recio y brillante de la poesía puneña. Es la “época” del Boletín Titikaka, del desarrollo de los grandes libros como “El pez de oro” de Churata (4), “Falo” de E. Armaza, “Ande” de Alejandro Peralta, “5 Metros de poemas” de Oquendo de Amat, “Puna” de Luis de Rodrigo, “Kollasuyo” de Emilio Vásquez, “Baquica Febril” de Dante Nava, “Pututo” de J. Alberto Cuentas Zavala, de la “idealidad trunca” de Enrique Ancieta y su libro “Sangre”, que es un poeta que hasta ahora me llama mucho la atención su versatilidad cultural y poética, pero que se le olvidó muy pronto, injustamente. Tan bergsoniano es Ancieta, como Churata y Armaza, como Emilio Vásquez y Luis de Rodrigo, al mismo nivel.

Poco se ha estudiado en esta “Tercera Época” del aporte vanguardista y surrealista de sus componentes, aunque si se a exaltado el mensaje indigenista y vernácular en la antología “Poesía Indigenista” que lleva las “Palabras Liminares” de Enrique Cuentas Ormachea, y la acertada selección y el estudio “La poesía indigenista” de Manuel Suárez-Miraval. Tres fueron los postulados normativos de esta generación proteica que emergió en innumerables llamaradas como la “Poesía Indigenista del Altiplano”, nos explica Manuel Suárez-Miraval: “la comunión cierta con el mundo en torno (que repercutió en el paisaje y en la actitud anímica de ofertorio con el medio ambiente); el instinto recuperado de afianzamiento en los valores y aportes de la Provincia (que incidió en la madurez de los reclamos de autonomía); y la beligerancia intelectual que encabezó el grupo sabiamente dirigido por Gamaliel Churata” (5).

La "Poesìa Indigenista" de Manuel Suàrez-Miraval: la vanguardia, el surrealismo y el indigenismo puneño.

La “Cuarta Época”, muestra ya el desgaste del proceso del vanguardismo, el surrealismo y el indigenismo puneño, es esta “ Cuarta Época” la del cenit. Forman parte de este eclipse: M. Guillermo Arce y Escobar (que perteneció al grupo Ork´opata), Humberto Traverso, Oscar Cano Torres, y Fernando Manrique Enríquez, poetas que empiezan a buscar otro tipo de estética y una nueva dimensión para la palabra.

En los apéndices de “Poetisas”, Frisancho recoge el aporte de genero, es una aproximación visionaria a la ternura de la mujer escritora, están allí: María Consuelo Ramírez de Torres Luna, Mercedes Bueno Morales, Victoria E. Saavedra Robledo, Julia Catacora de Barra y Nelly Ramírez de Vergara, todas ellas: voces muy interesantes, llenas de una nueva sensibilidad poética.

En el último apéndice “Poetas Nuevos” ya estamos en la “poesía nueva” que va a sobresalir en la década del sesenta hasta fines de la década del setenta: Ignacio Frisancho Pineda, Vicente Benavente, Efraín Miranda Lujan, José Luis Ayala y Omar Aramayo. De estos poetas, es de suponer, Frisancho avizoraba los grandes aportes para la poesía contemporánea en “Choza” de Efraín Miranda, en “Celebración del Universo” y “Pacha Mama” (avance de la nueva poesía actual en aymará) de José Luis Ayala, y en “Caleidoscopio” de Omar Aramayo (otro surrealista notable, aunque tal vez él prefiera para sí el concepto “ultraórbico”).

La “poesía del lago” después de la celebrada “Antología de la Poesía Puneña” de Frisancho, ha seguido evolucionado hacia nuevas propuestas, destacan entre estas nuevas voces: Vladimir Herrera (un caso aparte que merece tenerse en cuenta por sus libros “Mate de cedrón”, “Del verano inculto”, y “Trafalgar Square”, destacado poeta de la generación del 70), Boris Espezúa, José Alberto Velarde, Alfredo Herrera Flores, Pacha Jota Willka, José Paniagua Núñez (Jóspini), Gloria Mendoza Borda, Leoncio Luque Ccota, y Rodolfo Plaza Valdivia, entre otros (6).

Queda mucho por estudiar de la poesía puneña, pero nunca olvidemos del singular aporte de Samuel Frisancho Pineda por esta tonificante “Antología de la Poesía Puneña” , quién fue también Director del Diario “Los Andes” y uno de los intelectuales que luchó denodadamente para la reapertura de la Universidad Nacional del Altiplano.

Revista boliviana "Kollasuyo" (1939) donde publicò Gamaliel Churata (Arturo Peralta).

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(1) “Antología de la Poesía Puneña” de Samuel Frisancho Pineda, Editorial “Los Andes”. Puno-Perú. 1966.

(2) Se han publicado después de la edición de “Antología de la Poesía Puneña” (1966) de Samuel Frisancho Pineda algunos estudios (ensayos) y otras antologías sobre el proceso poético puneño del que nos referimos ahora, destacando sus aportes:

-“Churata, su obra y el indigenismo o peruanismo profundo” de José Varallanos, 1971.
-“La poesía indigenista de Puno” de Juan Luis Cáceres Cuadros, Puno, 1972.
-“Antología general de la poesía puneña” de José Luis Ayala, Lima, 1987.
-“Antología de la poesía puneña” de Omar Aramayo, Arequipa, 1999.

(3) “La poesía postmodernista peruana” de Luis Monguió. Fondo de Cultura Económica, México. 1954.

(4) “El pez de oro” de Gamaliel Churata . La Paz. Editorial Canata (1957). Libro magistral que leí en la edición boliviana, como si fuese el “Ulises” de Joyce, en 1969 (ese 08 de noviembre del mismo año falleció Churata en Lima), y a partir de mi amistad con Mario Peralta, hijo de Churata, mientras estudiábamos cinematografía bajo la dirección de Armando Robles Godoy, en la Academia de Cine (en el edificio del Jr. Washington frente a la Casa-Museo de Mariategui). Recuerdo haber conversado mucho –ese año- sobre Churata (poeta y periodista), y sobre otros escritores bolivianos como Franz Tamayo, Manuel Maria Pinto, Ricardo Jaimes Freyre, Alcides Arguedas, Juan Francisco Bedregal y Jaime Sáenz (a quién llamábamos el último surrealista boliviano), a la salida de clases y algunas veces acompañados, de varias tazas de café de Chanchamayo y abundantes cigarrillos, con nuestro profesor Alfonso La Torre (Alat), con Luis Arauco y el “diablo” Zamalloa, en el Café Monarca de Guzmán Blanco. No olvidemos que Churata fue muy respetado como poeta y periodista en Bolivia, su “Preludio de Konkachi” fue celebrado y publicado en “Kollasuyo” (revista mensual de estudios bolivianos), en La Paz, en agosto de 1939.

(5) “Poesía Indigenista” de Manuel Suarez-Miraval, Festival del Libro Puneño, 1959.

(6) Acaban de aparecer varios libros que son vitales para entender mejor el proceso de la poesía puneña:
-“Antología comentada de la literatura puneña” de Feliciano Padilla. Fondo Editorial Cultura Peruana. 2005.
-“Literatura de Puno” de Miguel Ángel Guzmán. Colección Perú Lee. 2006.
-“Oquendo” de Rodolfo Milla. Tomo I. Hipocampo Editores. 2006.

3 poemas de Armando Arteaga

3
poemas
de Armando Arteaga


LA GUERRA

la estupida guerra
que ametralla la belleza
de mi corazon
no respeta nada
no representa nada
solo destruye lo que nunca
pudo construir: la belleza
de una vida notable
la nobleza de una vida entrañable
No muere uno en la guera
Por la patria perdida
Por la casa olvidada
Uno se vuelve barbaro en la guerra
La fiera escapa de la jaula
Vive en la guerra uno en la mäs grande
incertidumbre. No hay tiempo para soñar
cuando se vive en la guerra.
La paz es una piedra lejana
que no significa nada.
Por el camino olvidado pasa el peregrino
soldado sin rumbo, y sin memoria.
La guerra hace que uno se olvide de tantas cosas.
La guerra no sirve para nada.
Ni para comprarme un fusil de juguete
un avión de juguete
un disparate.


NADA

es nada
porque de nada
sirve
que nada
sea nada
en esta nada
en donde nada
vale nada
pues siempre será nada.
Nada, nada, nada, nada.
Nada muchacho y no te ahogues
que la piscina es pequeña
Y el "nadaismo" ya no existe.


SOBRE EL MUELLE

Porque a veces
Uno se siente triste
Y muere todo lo extraño
Que amamos,
Y no sabemos por qué
No muere
Todo aquello
Que nos hace morir
Que nos hace vivir amando extrañamente
Contemplando el mar:
Signo de la muerte,
Signo de un pez en un acuario
Y después nada. Nada.

LOS PALIMPSESTOS DE ROSINA VALCÀRCEL/ WINSTON ORRILLO

Los palimpsestos de Rosina Valcárcel

Por Winston Orrillo


En la Foto: Poeta Winston Orrillo y su mascota.

No voy a fatigar al ocupado lector en contarle el currículo de Rosina Valcárcel: los que leen saben que ella es no sólo una de las más destacadas poetas peruanas de todos los tiempos, sino que su profesión “civil” –la antropología- la llevó a ejercer la cátedra –doctorado mediante- en la Cuatricentenaria, de la que hace poco cesó, luego de una impecable carrera docente.Igualmente –quien la hereda no lo hurta- su progenie: el gran poeta Gustavo Valcárcel, una de las voces creativas más altas del Perú, unido a la infatigable Violeta Carnero H., defensora de las causas más nobles y altas del ser humano, constituyen una prosapia de la que no podía resultar sino la querida Rosina, igualmente, aparte de sus méritos académicos y artísticos, destacada militante en la causa de la defensa de los derechos humanos y, especialmente, en los de la preterida y marginada mujer.Autora de varios poemarios y de libros de antropología, todos de calidad A-1, ahora, sin embargo, nos sorprende con la edición –sucesiva- de dos volúmenes de difícil clasificación: ¿Crónicas, artículos, reportajes, ensayos?Yo diría que un poco de todo, y que ella marcha en la línea tan actual (no quiero usar la resobada palabreja de postmoderno) de los transgéneros, pues algunas de sus páginas son reportajes que, súbitamente, colindan y asumen la enjundia del ensayo; así como muchas crónicas son, en verdad, fragmentos de memorias, o ensayos de éstas: un sagaz observador podría estar pensando en que la autora se asoma a un texto como las Memorias de Isadora Duncan o los libros tan comentados de una de sus favoritas -¡cómo no!-: Anais Nin.A este lector, particularmente, la inmersión en los dos volúmenes que reseña: Diario de Talismanes y Aprendiz de maga, 2005 y 2006, respectivamente, Ediciones El Santo Oficio y Editorial Horizonte, han constituido una aventura casi psicoanalítica: es decir, un viaje interior, un flash-back, un racconto hacia un mundo que había habitado pero en el que no había sido capaz de aprehender la riqueza que la perspicua prosa de Rosina revela. En efecto, en los dos volúmenes –que ciertamente son una continuidad, por seguro seguida, más temprano que tarde, de una tercera parte- hallamos un suerte de intrahistoria de más de medio siglo de vida peruana: desde 1950 hasta el presente.Hechos, circunstancias, personajes –muy conocidos, conocidos, medianamente conocidos y hasta algunos que, pareciera, inventados por la autora- aparecen en una suerte de caleidoscopio que, a la vez, nos revela, básicamente, su entorno.La conocida sentencia de Pepe Ortega: “Yo soy yo y mi circunstancia”, aquí se cumple cabalmente: las personas y personajes de la autora, nunca discurren únicamente en sus propias entelequias, sino que, lo más importante, es que a la vez que enterarnos de sus vidas -siempre interesantes- aprehendemos las circunstancias en las que ellas tuvieron lugar, y todo gracias a la mirada zahorí de Rosina Valcárcel que, por cierto, cuando escribe en prosa nunca deja de ser la muy apreciada poeta que todos conocemos. Y, precisamente, sostengo que lo más valioso de estos libros es, precisamente, la mirada del poeta, el escalpelo del poeta, el batiscafo del poeta, que, para solo citar a algunos ejemplos paradigmáticos, dieron lugar a obras como las de J. J. Rousseau, Rafael Alberti, Cesare Pavese, Virginia Wolf o Pablo Neruda, maestros de diarios, memorias o confesiones.En fin, los dos volúmenes (por el momento) de Rosina son un vademécum fundamental que debe llevar consigo todo aquel que quiera conocer y/o reconocer el devenir de la cultura peruana en el último medio siglo, pero no solo con autores nacionales, sino con aquellos que, asimismo, han tenido que ver con nosotros, como el entrañable “negro” Nicolás Guillén, o la surrealista argentina Halma Cristina Perry.Como lo repito, Rosina no perdona a nadie que haya tenido que ver con su horizonte, desde Juan Gonzalo Rose, hasta Manuel Scorza, y, en el intervalo, Antonio Cornejo, Paco Carrillo, Gladys Basagoitia, Juan Carlos Lázaro, Carlos Ostolaza, Armando Arteaga, Juan Cristóbal, Marita Troiano, Ricardo González Vigil, Julio Carmona, Julio Nelson, Giovanna Minardi, Luis Rocca Torres, Enrique Verástegui, Lola Thorne, Julia Ferrer, Alfonso La Torre, Félix Nakamura, Leonidas Vélez, Carlos Garayar, Gustavo Valcárcel, Víctor Carranza, Gonzalo Espino, Cecilia Bustamante, Mary Soto, Jorge Luis Roncal, entre mucho(a)s otro(a)s.El libro, lo repetimos tiene de crónica generacional, memorias, reportajes, notas informativas, artículos: miscelánea ubérrima y, por momentos, palimpsesto que nos conduce, en sus diversas capas, a los diversos tiempos que viven (o vivieron) en el mismo tiempo.Sólo nos queda esperar el tercer tomo para ver qué íncubos y súcubos Rosina rescata para deleite de nuestro paladar de gourmets de sus libros.

Fuente: Manuel Mosquera
Enviado por manuel mosquera el 17/11/2006

ÈTICA Y ESTÈTICA ANTIBURGUESA EN LA POESIA DE PABLO GUEVARA/ ARMANDO ARTEAGA

ÉTICA Y ESTÉTICA ANTIBURGUESA EN LA POESÍA DE PABLO GUEVARA


Por Armando Arteaga

Foto: Andrès Alencastre. En la Foto: Pablo Guevara disertando en el Auditorio de la Municipalidad de Pachacamac.

Cierta vez le pregunté a Pablo Guevara: ¿Qué tan duro era el oficio de poeta?. El poeta Pablo Guevara me respondió alzando el pie derecho y mostrándome su zapato: "4 veces le he cambiado las suelas, y aún resiste, pero no debería ser así". Hay mucho para interpretar en esta respuesta. Pablo predicaba con el ejemplo, y él fue un poeta de la ética y de la estética de las formas -menos onerosas y menos dispendiosas- de un lenguaje directo y de crítica contra la burguesía, y de una interpretación dialéctica y estructural del desarrollo de la historia contemporánea como un suceso actual, vigente y occidental. Que yo sepa, nunca nos defraudó con el "uso de la palabra", y menos, con la acción polígrafa, también exacta, y limpia, de su vida.
Pablo Guevara, aparte de poeta, era cineasta. Fue mi profesor en un Curso de Cinematografía que realizó San Marcos el 69. Allí vi por primera vez su documental "Semilla". No solo era un maestro (con mucha paciencia pedagógica), casi un padre, un hermano mayor, y siempre: un amigo muy especial. Era muy polémico en esa época de efervescencia social. Con él era muy agradable conversar y uno se podía pasar -horas de horas- escuchándolo sobre diversos temas que le apasionaban de la literatura o el cine, pero sobre todo últimamente: la poesía. Ojo: sabia conversar y sabía escuchar, virtud que muy pocos tienen.
El trabajo cinematográfico de Pablo Guevara siempre fue de un gran interés antropológico, lo fue también su poesía. Pablo opinaba así de la función del cine en una entrevista-mesa redonda con motivo de la visita a Lima de Alfredo Guevara (Presidente del Instituto Cubano de Arte e Industria Cinematográfica-ICAIC) y los directores Octavio Cortázar y Pastor Vega:
"Yo opino, Alfredo, que el cine es también una forma de conquistar el poder. Es una forma de conquistar el poder desde el momento en que es un medio de comunicación que permite abrir una brecha, una fisura, para expresar todo un universo de ideas, aspiraciones, y necesidades de un número determinado de personas. Puede ser de un autor o también de un autor que sintetiza una serie de aspiraciones populares..., puede ser una militancia..." (1)
Pero, Pablo Guevara, no era solo un activista del cine (a lo Godard), era un escritor y un poeta a carta cabal, muy complejo, al que había que saber leer y comprender. Se llegaba a él con inteligencia y sobre todo con sentimiento solidario por nuestra cultura y por el país: la problemática de la realidad nacional la conocía con destreza.
Fue un poeta antiburgues por excelencia. Pablo Guevara nació en Lima, en 1930, y fue uno de los poetas más destacados de la Generación del 50. Realizó estudios de literatura y de cinematografía en Europa. Publicó los siguientes libros: "Retorno a la creatura" (1957), "Los habitantes" (1965), "Crónica contra bribones" (1967), "Hotel del Cuzco y otras provincias del Perú" (1972), y los 5 tomos: "Un iceberg llamado poesía", "En el bosque de hielos", "A los Ataúdes/ A los ataúdes", "Cariátides", "Quadernas, Quadernas, Quadernas" (1999). Para los amigos, Pablo siempre leyó en recitales, o en reuniones más intimas, los excelentes poemas de sus libros inéditos "Diente de ajo" y "Mentadas de madre", entre otros textos.

Foto: Andrès Alencastre. En la Foto: Julio Zegarra y Pablo Guevara, presentaciòn del Plan de Desarrollo de Pachacamac.

Todo su trabajó poético a partir de "Hotel del Cuzco y otras provincias del Perú" está inspirado bajo el impulso didáctico del "Abc de la lectura" de Ezra Pound, no digamos que fue un recetario para él, pero si un referente muy cercano a tomar en cuenta, donde "el idioma es un medio de comunicación". Se trata allí de:
I: representar el objeto (fijo o en movimiento) ante la imaginación visual;
II: sugerir correlaciones emocionales por el sonido y el ritmo de lo hablado;
III: sugerir ambos efectos estimulando las asociaciones (intelectuales o emocionales) que han quedado en conciencia del receptor, respecto de las palabras reales, o de los grupos de palabras empleados (fanopoeia, melopoeia, logopoeia).
Mucho se puede decir de la poesía de Pablo Guevara (1930-2006). Me referiré sola al tema de la "Usura", que toma de Pound, a su manera, y como "Epilogo" en "Hotel del Cuzco y otras provincias del Perú", siguiendo la tradición clásica de "il miglior fabro": "Una definición de la belleza es: adecuada a lo que se propone", para desmenuzar la decadencia de la civilización occidental:
"con la usura no hay límites claros
y nadie encuentra sitio para su morada".
Como Pound, Pablo Guevara introduce también en sus versos los temas de la economía y la política, convirtiendo su poesía en una visión y en una protesta muy modernista y actual. Se puede definir la ética y la estética de su mensaje en la apocalíptica versión benévola para mirar la historia con extrema lucidez: "Las Guerras de la Burguesía nos llevan a vivir devorados en el Tiempo y la Necesidad" . Un ejemplo de la increíble belleza que logra la poesía de Pablo Guevara se da en el poema: "El hipopótamo suele ser un amigo y una masa de carne que en nada es metafísica a no ser por su gran corpulencia" (2). Es la denuncia contra el colonialismo inglés de 1900 en la India. Su poesía esta llena de esa iconografía "zoo" africana que también Pablo Guevara con insistencia ecológica defendió ante la depredación devoradora del capitalismo que todo lo vende, por eso aparecen en el vasto escenario de su geografía referente: jirafas, avestruces, leones, cebras, pero también, "zoo" andina: pumas, gallinazos y cóndores: dos hermosos rapaces en vías de extinción.
Varias veces al bisbistar la tarde en la tranquilidad rural de aquel bistró que todavía se llamaba "Los amigos" en la Plaza de Armas de Pachacamac, conversamos largamente, siempre en el anti-establishment: acerca de los avatares y las bondades de la vida, el arte, la literatura y el cine, con Pablo Guevara, un ser excepcional, maestro, y notable poeta de todos los veranos y de todos los inviernos.

(1) Revista Pantalla. Informativo Universitario de Orientación y Crítica Cinematográfica. Cine Club San Marcos.
Director: Nelson García M. Jefe de Redacción: Fernando Peña Portella: Redactores: Mario Tejada, Juan Bullita, Humberto Poma, Rosa Dodobara, Fernando Ruiz. Director del Cine Club San Marcos: Atilio Bonilla. Lima, Octubre 1969.

(2) EL HIPOPÓTAMO SUELE SER UN AMIGO Y UNA
MASA DE CARNE QUE EN NADA ES METAFÍSICA
A NO SER POR SU GRAN CORPULENCIA

"Amo al hipopótamo, lo amo porque es gordo,
bueno y mesurado.
Sus tres toneladas y media lo mantienen en paz,
Con lo que lo dejan hundirse en su cama de barro,
Sestear bajo un árbol, enamorar a las hipos
y hacer sus caminos paralelos al Río,
nada ni nadie lo enfurecerá. Ante el asedio del dolor
prefieren desaparecer, hundirse en las burbujas de la
tranquilidad..."
Esto decía, al descender ya la noche, mi guía,
y no habiendo aún completado sus hermosos
sentimientos,
porque así sucede al hablar, yo le insté a
proseguir:
"Ah, pero solo por cinco minutos que parecen mil siglos,
luego ha de volver, y si insisten, atención,
furioso no es en nada menos espectacular que risueño.
Pero es bueno,
ah, es bueno definitivamente. Una vez,
Hubert, que murió en la India hacía 1912, fue famoso y querido
hasta la idolatría; curioso visitaba con gran lentitud
más de 50
aldeas grandes y pequeñas y se asomaba en casas y en
tiendas de 10,000 familias
a más de 600 kilómetros a su alrededor.
Y era tan querido,
y así era Hubert,
pero un imbécil –que nunca faltó y jamás faltará-
no sabiendo otra cosa sino vender:
el día que se cruzó en su camino le mató..."
Y mi guía siguió caminando, bien entrada
la noche
hasta el punto de alcanzar las calles donde estaban las
Tiendas de los Mercaderes.
Nos acostamos, y en silencio
seguimos meditando...

Foto: Armando Arteaga. En la Foto: Andrès Alencastre, Julio Zegarra y Pablo Guevara, en la presentaciòn del Plan de Desarrollo de Pachacamac.

AL POETA DEL HOTEL INGLATERRA/ ARMANDO ARTEAGA

AL POETA DEL HOTEL INGLATERRA *


Por ser un inconforme
Lo llamaron traidor, lo condenaron
A morir con una soga en el cuello.
Por ser un vago
Lo premiaron con una vida de pobreza.
Lo odiaban. Nadie jamás acertó
a llamarlo por su nombre.
Y un cuervo fue su amigo en las tabernas.
Por ser más bello hasta con la belleza
las mujeres más célebres lo amaron.
Y él amó la belleza.
Nos fue dejando con su vida esa belleza.
Varios libros de poemas. Y una vida dudosa.
Por no creer ya ni en el vino, fue escoria
Dentro de la escoria, un ágata en infortunios.
Murió por suerte. Ya andarán por allí
Diciendo que era amigo de la muerte. A veces.

armando arteaga

*Este poema ha sido últimamente antologado en una antologia de la poesìa piurana, como el poema ha sido ortográficamente mal publicado, es justicia que vuelva a ser publicado, y para los que ya lo conocen, va otra vez.